Cineasie

L'empire du milieu du Sud

2010-12-04T19:25:00.003+01:00

Viêt Nam signifie "pays des Vîet du Sud" et l'histoire du peuple Viêt c'est celle d'une longue marche vers le Sud racontée dans ce film par Jacques Perrin. Depuis les chaînes de montagne du Sud de la Chine jusqu'au delta du fleuve Mekong, le peuple vietnamien aura gagné son indépendance vis-à-vis de son envahissant voisin et des nations coloniales. Le film retrace cette longue marche à travers des images issues de sources très variées: images d'archive nationale, reportages de guerre, cinéma des armées, propagande, documentaires. Pour accompagner les images Jacques Perrin co-réalisateur du film dit en voix off des poèmes, des extraits de la littérature française, américaine, vietnamienne et des lettres de soldats. Nguyen Trai, Nguyen Du, Bao Ninh répondent à André Malraux, Albert de Pouvourville, Marguerite Duras, Pierre Schoendoerffer. Intéressant pour le spectateur de revenir sur la véritable histoire d'un pays qu'on résume souvent à deux guerres qui n'en ont formé qu'une dans l'inconscient collectif: LA guerre du Vietnam. En réalité, le Vietnam c'est bien plus la quête d'une indépendance gagnée au prix fort et l'abnégation de ce peuple qui reste incomparable. Ainsi ce testament d'un Viêt dévoilé dans le film: "J'envoie mon cerveau à votre centre de recherches pour qu'on trouve ce qui nous fit lutter. J'envoie mes yeux à votre président pour qu'il les regarde en face. J'envoie mes dents à vos généraux, elles ont mordu plus de fusils que de pain car la faim fut ma compagne. Mon corps je le laisse au Mekong."

Jacques Perrin et Eric Deroo ont longuement travaillé à ce projet et lui ont donné une dimension artistique. Il est dommage que les citations ne soient pas créditées du nom de leurs auteurs. Ceci aurait probablement alourdi le récit mais donné plus de portée à certains propos. Ces paroles et ces textes auraient eu un autre écho. Le film lent au début prend peu à peu son rythme lorsqu'il aborde l'histoire plus récente du Vietnam. Un film inégal donc mais à l'élégante réalisation qui contraste souvent avec la violence des images. Ce sont d'ailleurs ces images qui marquent le plus, tour à tour choquantes, troublantes, émouvantes. Plus qu'un documentaire historique, l'Empire du milieu du sud suit son fil rouge vers Saïgon et nous offre finalement un voyage poétique à travers le temps et le pays. Un bel hommage à la force d'un peuple et à la naissance d'une nation.

Vianney Meunier, 29 novembre 2010

PIFF 2007

2007-11-07T23:35:00.001+01:00

Que retenir de ce 12^e festival de Pusan sinon la qualité de la programmation, et la sage décision de recentrer la manifestation sur certaines thématiques et certains réalisateurs sans vouloir s’éparpiller à outrance. En tous les cas, ce crû 2007 aura été fort bon avec quelques très bonnes surprises comme Vexille, Sukiyaki Western Django, With a girl of black soil, Flower in the pocket, Hello Stranger, Assembly, Summer's tail, The photograph ou encore The red awn. D’autres moins bonnes : Life track, M, Evangelion 1.0 ou Triangle. Mais avant tout ce qu’il restera c’est surtout l’enthousiasme de ces volontaires qui font de Pusan ce qu’il est, un festival pour les amoureux de cinéma, toutes générations et nationalités confondues.

Voici le palmarès de ce festival :

Prix New currents (premier ou second long-métrage) :

Prix de la Banque de Pusan à Life track de Guang Hao Jin, Chine

Prix Bean Pole New currents à Flower in the pocket de Seng Tat Liew, Malaisie et Wonderful Town de Aditya Assarat, Thailande

Le jury New Currents était composé de :

Dariush Mehrjui, réalisateur, président du Jury

Nan Yu, actrice

Cristian Mungiu, réalisateur

Goran Paskaljevic, réalisateur

Lee chang-dong, réalisateur

Le prix FIPRESCI (Fédération Internationale des Critiques de films)

The red awn, de Shangjun Cai, Chine

Le Jury FIPRESCI était composé de :

Ronald Bergan, Angleterre

Diego Brodersen, Argentine

Harri Rompotti, Finlande

Nirmal Dhar, Inde

Cho Hye-jung, Corée du Sud

Prix NETPAC

Hello Stranger de Kim Dong-hyun, Corée

With a girl of black soil, de Jeon Soo-il, Corée

Jury NETPAC composé de:

Aijaz Gul, Pakistan, Critique de film

Kim Byung-Cheol, Corée, Professeur

Chang Sanling, Taïwan, Producteur

KNN Audience Award (celui auquel j’ai participé comme membre du public, films choisis dans la section New Currents)

Flower in the pocket, de Seng Tat Liew, Malaisie (c’est également celui que j’ai plebiscité)

Prix Sonje

Woong’s Story, de Lee Ha-song, Corée

A man under the influenza, de Jung July, Corée

Prix Woonpa

Tear drop, de Mun Jeong-hyun, Corée

Korean Cinema award

Sabrina Baracetti, Présidente du Udine Far East Film Festival

Jean-François Rauger, Programmateur de la Cinémathèque française

Asian Film maker of the year

Le défunt Edward Yang, à titre posthume.

Sur place : Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Edward Yang

2007-11-07T23:20:00.000+01:00

Asian Filmmaker of the Year PIFF 2007

Le 29 Juin dernier, un maître du cinéma nous quittait. Edward Yang, 60 ans a disparu, 7 ans après la sortie de A one and a Two, son dernier film. Le cinéaste taïwanais s’était érigé en chef de file de la nouvelle vague taïwanaise depuis le début des années 80 avec des films comme That day on the beach, Tapei story, The terrorizers ou Mahjong. Il avait reçu les honneurs à Cannes pour Yiyi – A one and a two, un petit bijou cinématographique, qui aura été son film testament. En hommage à cet artiste mémorable, le Festival de Pusan a décidé de bouleverser ses plans et de lui attribuer à titre posthume la récompense de réalisateur asiatique de l’année. Sa veuve et son fils étaient à Pusan pour recevoir cet hommage. Retour sur un quart de siècle d’une carrière qui a marqué le cinéma taïwanais de son empreinte.

Edward Yang est né à Shanghai en 1947. Ses parents fuient la Chine et se réfugient à Taïwan en 1949. Il étudie le génie électrique et se rend aux Etats-Unis pour étudier l’informatique. Il travaille comme informaticien et concepteur systèmes pendant sept années. En 1981, il rentre à Taïwan où commence une carrière de réalisateur qu’il n’arrêtera alors plus. Parmi ses films on compte certains des chefs-d’œuvre du cinéma taïwanais. Le film omnibus In our time en 1982 marque le début de sa carrière où il co-signe une histoire sur le passage du temps et les étapes de la vie. Considéré comme la pose de la première pierre de la nouvelle vague taïwanaise, en quatre tableaux, menant de l’école primaire à la vie en société, ce film décrit ni plus ni moins que le passage à l’âge adulte avec les doutes et les questionnements que cela comporte. Edward Yang réalise la seconde partie Expectation sur une jeune collégienne qui doit affronter les changements de son corps et son désir ambigu qui naît pour un surveillant. Mais tandis qu’elle s’apprête à avouer son amour, sa sœur aînée la devance. Déjà dans ce film, Edward Yang explore les souffrances physiques et sentimentales des relations humaines et fait d’Expectation un précurseur de A bright Summer day.

Dans That Day on the beach qu’il réalise en 1983 et considéré par beaucoup comme son premier film, il dépeint la vie maritale à l’aune des questionnements d’une femme face à la disparition de son mari. Ce film qui voit aussi débuter Christopher Doyle à la caméra, très loin de ses expérimentations futures, dans un classicisme presque pudique marque véritablement l’avènement d’une nouvelle vague avec ses préoccupations psychologiques, sa vision moderne du couple et l’influence de l’Occident sur la société taïwanaise. Dans une société qui fut très traditionnelle et marqué par le patriarcat, Edward Yang aborde déjà ses thèmes de prédilection : la difficulté pour une fille de s’émanciper devant cette figure du père omnipotent, l’impossibilité de concilier vie de couple et vie professionnelle dans le Taïwan des années 80, c’est une vision assez acide et réaliste de la vie mais qui laisse toutefois le recul nécessaire à des moments de réflexion. A travers de multiples flashes-back et un fil conducteur, les retrouvailles de Jia-Li (Sylvia Chang) dont le mari a disparu et de son amie devenue pianiste célèbre (Hu Yin-Meng), le film et les deux femmes reviennent sur les couples qui se sont formés, leurs positions de femmes et d’amantes vis-à-vis des traditions, comment mûrir en tant que femme dans la société contemporaine. Par la musique, le rock, le tango, la danse, en dépeignant les amants et les maîtresses par quelques côtés aujourd’hui has been dans la mode vestimentaire, les voix, les coupes de cheveux mais très en phase avec l’époque, le réalisateur dénote l’évolution dans les mentalités qui a suivi la libération des mœurs aux Etats-Unis et s’est poursuivie jusqu’à Taïwan. Focalisant la caméra sur les femmes, Edward Yang donne une autre tonalité à son sujet abandonnant lui aussi une tradition taïwanaise qui consistait à faire des femmes des figures passives et contemplatives. Edward Yang brise ainsi la lame de fond institutionnelle qui faisait foi dans le cinéma taïwanais pour qu’une nouvelle vague vienne naître sur les rivages de l’île. Des films où les femmes tiendraient le premier rôle.

En 1985, avec Taipei Story, le réalisateur s’appuie encore un peu plus sur la vampirisation de la métropole Taipei qui engloutit à la fois un jeune homme voué à une grande carrière de joueur de base-ball et sa petite amie qui lui échappe, emporté par le tourbillon de sa carrière. La ville infernale et inquiétante est représentée comme un danger plutôt qu’une opportunité. Dans ce film il fait jouer Hou Hsiao Hsien qui est également co-scénariste. Un an plus tard, en 1986, Yang récidive en racontant l’histoire d’une fille qui, pour échapper à la police, se jette d’une fenêtre. Un passant lui vient en aide puis des histoires s’entremêlent. La fille enfermée dans sa chambre, passant des coups de fil anonymes en prétendant être la maîtresse d’un homme jusqu’à ce qu’elle tombe sur une écrivain qui doute elle-même de son mariage tout en cherchant l’inspiration pour son livre. En adoptant différents points de vue, Edward Yang affirme que chacun d’entre nous peut être terroriste à sa façon. Très moderne dans sa thématique comme dans son traitement, The terrorizers reste à Taïwan comme le meilleur film de Yang des années 80.

Changement de décennie, changement de style. A bright summer day, en 1991, marque un changement de sujet et de ton pour le réalisateur. A travers l’intrigue d’un meurtre survenant dans les années 60 à l’époque où Taïwan était encore cloisonnée et refermée sur elle-même, Edward Yang insiste sur les désillusions et la perte de l’innocence de jeunes gens désorientés par la déliquescence de leur environnement et de leurs repères. A bright summer day sera souvent cité aux côtés de A city of sadness (1989) de Hou Hsiao Hsien.

En 1994, il revient avec A confucian confusion, un film dont la banlieue Est de Taipei est le décor. Dans un rythme rapide martelé par des dialogues interminables il fouille astucieusement les notions de romance et d’argent qui préoccupent la nouvelle classe moyenne pour qui même l’art et la religion sont devenus sournois. Pour Yang, Taipei est devenue une ville dans un déguisement trop grand pour elle, où chacun s’épie en tentant de se camoufler aux yeux du monde. Cette comédie satirique connaît quelques envolées qui ne sont pas sans rappeler Woody Allen ou Robert Altman mais Edward Yang s’attache plus à la moralité de ses personnages. S’il en fait trop dans ce film, on ne peut toutefois pas lui retirer le mérite d’explorer de nouveaux territoires.

En 1996, Mahjong est une nouvelle fois centré sur Taipei, cité bouillonnante où la jeunesse se consume, terrain de jeu des convoitises libérales où quatre jeunes hommes tentent de survivre. C’est l’hommage vibrant d’Edward Yang à la Dolce Vita de Fellini. Il raille notre monde contemporain submergé par la surinformation mais ignorant de nos désirs réels. En constatant également la désagrégation des valeurs traditionnelles, l’impossibilité pour les jeunes de s’y identifier, il dépeint une génération projetée dans l’âge adulte sans l’appui d’un monde en perte de repères. Au-delà de son regard critique habituel, Edward Yang fait preuve de compassion envers ses personnages comme dans ce dernier baiser entre le garçon taïwanais Ko Yue-Lin et la fille française interprétée par Virginie Ledoyen.

Puis c’est en abordant une troisième décennie qu’Edward Yang nous livre son dernier opus. Dans A one and a Two, il nous livre peut-être sa vision la plus mâture de la société avec le portrait de trois générations qui se côtoient et se répondent dans le Taipei des années 2000. Au travers de cette famille de la classe moyenne, de ce père (Wu Nien-jen) employé dans une société d’informatique qui fait face à un choix de carrière et revoit son premier amour, de cette mère délaissée qui trouve refuge dans la religion, de leur fille (Kelly Lee) qui découvre les premiers sentiments amoureux, de Yang Yang (Jonathan Chang), leur fils de 8 ans qui photographie le dos des gens, cette partie d’eux-mêmes qu’ils ne peuvent pas voir, de la grand-mère alitée après une attaque, et de cet oncle jeune marié, le réalisateur mêle les vécus, les époques et les émotions pour embrasser la complexité de la société contemporaine. Sur les paysages urbains de la capitale glissent ces existences délicates qui se croisent et s’interpellent à travers le temps et l’espace. Au moyen d’une palette riche de sensations et de caractères, Edward Yang donne une touche incroyablement humaine à ce psychodrame, convoquant dans A one and a two l’essentiel des thèmes qui ont fait sa carrière, les mélangeant, les diluant ou les concentrant pour offrir au spectateur le plus beau tableau de Taipei du début du XXI^e siècle. Nul ne savait alors qu’avec ce chef d’œuvre, il allait tirer sa révérence.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Vexille

2007-11-05T00:10:00.001+01:00

De Fumihiko Sori et Haruka Handa avec Meisa KUROKI, Shosuke TANIARA, Yasuko MATSUYUKI, Romi PAK

Oxybot Productions Company / SHIOCHIKU Co. Ltd, Japon

Il y a des films qu’on aimerait bien voir clôturer un festival en apothéose, pas des Evangelion 3.2 ou des Wedding campaign. Non, tout simplement un film qui par son message et sa qualité visuelle représente la richesse des productions présentes à ce festival. Pour nous ce fut Vexille, dernière projection du Festival International de Pusan et petit bijou cinématographique, impressionnant de maîtrise visuelle, intelligent dans son traitement, universel et intemporel dans son message. Un pur moment de plaisir des sens.

2067, le Japon s’est enfermé depuis dix ans dans un mutisme et une autarcie absolus. Au milieu du XXI^e siècle, ce pays est le leader mondial de la conception robotique, aussi bien dans l’industrie que dans la domotique. Sa prochaine révolution consiste à appliquer ces découvertes à l’homme. Mais devant la montée des débats éthiques comme pour le nucléaire et les biotechnologies par le passé, et la signature de traités internationaux interdisant ces recherches, le Japon décide de rompre avec la communauté internationale et de s’isoler du monde, protégé qu’il est par un bouclier électromagnétique ne laissant filtrer aucune onde. Dix années plus tard, Vexille et Leon sont membres de SWORD une unité spéciale des Nations Unies destinée à protéger les intérêts de ses pays membres. En matière diplomatique, le Japon est devenu un ennemi qu’il ne fait pas bon contrarier. Mais comment percer le mystère qui entoure l’archipel tandis que les satellites ne peuvent capturer aucune image venue du sol ? Une mission d’infiltration menée par Leon est envoyée au Japon pour tenter de savoir ce qu’il est advenu de ses habitants.

Au travers d’une intrigue originale mais influencée par les plus grands films de SF, Vexille impose donc son empreinte unique dans un genre fortement connoté années 80. Le film débute dans un prologue où les plus grandes sommités de la planète sont réunies par un mystérieux Saito, qu’on sait être un soldat zélé de l’empire de Daiwa, la multinationale toute puissante dont les robots couvrent la Terre. Au cours de cette réunion, un événement survient dont on ignore encore le sens. Mais Vexille et les membres de SWORD interviennent alors pour mettre fin à ce qui semble être un piège.

Si le film s’inspire sans conteste des classiques que sont Blade Runner, Dune ou Mad Max jusque dans la bande originale, signée Paul Okenfald, d’une fantastique diversité musicale, Vexille revisite à sa façon les mythes modernes qui ont donné ses lettres de noblesse à la Science-fiction. Par une construction intelligente du scénario et en dotant le récit d’une épaisseur historique et contextuelle, l’équipe japonaise également à l’origine du très remarqué Appleseed a réussi là un coup de maître. L’attrait de ce film réside ainsi non seulement dans la beauté inégalée de ses animations 3D saisissantes de réalisme qui s’apparentent parfois à des séquences filmées mais aussi dans une histoire à la thématique universelle. Par le passé, le Japon a déjà voulu imposer son hégémonie et il fut prêt à se couper du monde pour s’accorder la liberté de ses ambitions. Ce qu’il a pu faire, il peut le refaire. Sa fierté nationale et son extrême esprit de corps le lui permettent. C’est donc un film qui prend à contre-pied les standards de l’animation japonaise dans lesquels le japon est au centre d’un monde dont il aurait la lourde et impérieuse tâche de protéger. Ici, les auteurs voient dans leur pays une menace potentielle pour le reste du monde dans une ère où les esprits sont plutôt tournés vers une non-prolifération nucléaire et les armes de destruction massive. Le Japon, de par ses avancées technologiques et son grand pouvoir d’innovation peut, demain, renverser les pièces de l’échiquier. Cette autocritique est nouvelle ou tout au moins peu courante dans la japanimation. Il y est en effet souvent question d’un monde déshumanisé où les robots font loi mais jamais encore un tel contexte diplomatique n’avait été mis en scène. Outre cet aspect géopolitique, Vexille traite de thèmes universels et chers aux Japonais en particulier. Le vieillissement des nations industrialisées et les craintes du Japon pour son avenir, la volonté d’indépendance et d’isolement d’habitants longtemps influencés par leur comportement insulaire et leur méfiance vis-à-vis de l’étranger, les contraintes de l’espace sur une planète qui s’amenuise, où l’océan prend peu à peu le dessus, le danger des tentations eugéniques qui hantent le Japon, encore aujourd’hui. Par-delà ces préoccupations, des valeurs universelles transparaissent dans le film comme la ténacité de l’Homme à conserver son libre-arbitre, l’incroyable instinct de survie dont il est capable et le partage d’émotions que la robotique tente de maîtriser. Des émotions et des sentiments qui font tout à la fois sa faiblesse et sa supériorité intellectuelle.

Si Vexille nous impose une vision bipolaire du monde —ce qui est un de ses points faibles, l’autre étant la nipponisation des personnages occidentaux— avec d’un côté le Japon, de l’autre les Etats-Unis, c’est cependant à l’humanité tout entière que s’adresse son message en espérant qu’il puisse être entendu. Aussi longtemps qu’il y aura des Hommes sur Terre, ceux-ci s’opposeront à la volonté démiurgique d’un certains nombre d’entre eux car vivre c’est résister. Par delà les frontières et le temps, l’Homme a toujours été résistant. Résistant au changement certes, mais surtout à ce qui peut le rendre esclave de lui-même. Fumihiko Sori et Haruka Handa l’ont bien compris et c’est ce qui confère à Vexille son universalité et par là-même son statut de chef-d’œuvre lui permettant d’entrer tout droit au Panthéon de la Science-fiction.

Mystere Vic – 12^ePIFF, Octobre 2007

Sukiyaki Western Django

2007-11-05T00:00:00.000+01:00

De Takashi Miike, avec Hideaki ITO, Koichi SATO, Yusuke ISEYA, Kaori MOMOI

Sedic International, Geneon Entertainment / Japon

Les Genji menés par Yoshitsune et les Heike menés par Kiyomori s’affrontent une nouvelle fois dans une petite ville minière perdue dans la montagne. Les deux clans sont ennemis légendaires et tout, depuis leur styles jusqu’à leurs chefs les oppose. Mais une même quête les anime, trouver le trésor qui serait caché dans cette région. Un cow-boy solitaire fait également son arrivée dans la ville. Il est doué d’une habileté extraordinaire lorsqu’il s’agit de sortir le colt. Mais qui des deux bandes va-t-il rejoindre ? Provocation, liaisons, trahisons, les ego s’exacerbent et le final s’apprête à être retentissant.

Western Django est une perle d’auto-dérision, un film qui mêle joyeusement les styles et les époques, le Kill Bill de Miike où Tarantino fait une apparition en guest-star plus que remarquée. Tout, de la musique à la réalisation ultra léchée font de ce film un produit abouti, un succès commercial garanti, ce qu’on ne pouvait pas dire des précédents films de Miike, malgré leur incontestable originalité. Puisant dans la veine des westerns spaghetti (macaroni westerns en japonais), empruntant ses codes cinématographiques et musicaux et les agrémentant d’éléments asiatiques, Takashi Miike est parvenu à réaliser un film très abouti qui parodie avec verve les grands trésors du cinéma occidental. De Bonnie & Clyde à Shakespeare, le ballet est réussi.

La dérision est effectivement le maître mot de ce film tandis que les clins d’œil se multiplient, que les dialogues savoureux s’enchaînent dans un anglais quasiment compréhensible (un must pour des acteurs tous japonais pour la plupart). Le film a été soigné jusqu’au moindre détail comme dans ce maquillage imparfait pour souligner la supercherie.

On vient également emprunter à Predator ou Star Wars, ou encore The Lord of the Rings dans les moments les plus déjantés. Tarantino, Miike, on savait que les deux se respectaient qu’ils s’influençaient, on sait maintenant qu’ils se citent mutuellement et visuellement. Le début du film sonne comme un clip ou un spot de pub tourné à la Tarantino puis on reprend vite contact avec la fertilité impressionnante du réalisateur japonais, son sadisme à tout craint. Il n’y aura alors plus de place pour une seconde de répit. D’un bout à l’autre du film les scènes d’action et les passages humoristiques se succèdent, les effets spéciaux également. Une grande recherche visuelle et sonore est atteinte de ce côté-là. Particulièrement éloigné de son univers habituel mais fidèle à son style inimitable, Miike a atteint là une maturité incontestable, un quasi chef-d’œuvre de cinéma qu’il fera bon voir et revoir à l’image d’un Pulp Fiction en son temps.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Evangelion 1.0

2007-11-04T23:51:00.001+01:00

De Hideaki Anno, Masayuki, Kazuya Tsurumaki avec Megumi Ogata, Megumi Hayashibara, Kotono Mitsuishi, Khara / Nippon Television Network Corporation, Japon

N’ayant pas vu le prédecesseur d’Evangelion, difficile de se livrer à une critique acerbe de l’histoire mais d’avis de connaisseurs, le film est la copie conforme de la série et de nombreux plans en sont directement tirés. Du point de vue du scénario rien de nouveau, on a finalement toujours les mêmes forces en présence, l’une représentant le Mal, incarné ici par des « Anges », l’autre le Bien, ici l’humanité menée par des Japonais et leurs robots de défense les Evangelions (dire Eva, ça fait plus « in ». Les premiers veulent attaquer la Terre, la conquérir, les derniers sont chargés de la protéger, après que la moitié de l’humanité a été décimée. Revenir au manga tel qu’on la laissé, il y a une quinzaine d’années, n’est pas chose facile. On est devenu blasés, des gosses gâtés par les multiples possibilités de la 3D. Ici, si le film mêle plans en 2D et en 3D, c’est néanmoins un manga 2D qu’Evangelion 1.0 nous rappelle car un certains nombre de traits subsistent: Simplicité des dessins. Qu’on n’aime ou pas, voir un film où seule la bouche des personnages s’ouvre et se ferme en guise d’animation devant un décor fixe est une des signatures du manga japonais classique. Les combats et les explosions signent eux aussi un genre presque éteint. Titanesques, ceux-ci manquent de détruire la totalité de Tokyo à chaque assaut appuyé par une bande son assourdissante au sens propre. Cette agressivité sonore qui nous ferait presque quitter la salle est sans doute là pour compenser la pauvreté des graphismes et du scénario.

Ici, on apprend que Shinji bombardé pilote d’un Eva est le fils du Professeur Ikari. On comprend que celui-ci a aussi une fille, naturelle ou créée, humaine ou androïde, ceci on l’apprendra plus tard. Et que donc en quelque sorte Shinji et Ayanami sont frère et sœur sauf qu’ils ne le savent pas. Ca vous dit quelque chose à vous aussi ? Cet invariable de la mythologie SF post-moderne n’a pas attendu Evangelion. La moitié du film est passée dans des combats et la métamorphose de Tokyo 3 en véritable forteresse inexpugnable est le véritable attrait du film. Inattaquable sauf par un Ange, les méchants vous vous souvenez ? L’ange n°6 décide de creuser jusqu’au centre nerveux central, le cœur de Tokyo 3. Ca vous rappelle quelque chose ? Sion, lève-toi ! Bon a priori, l’antériorité d’Evangelion sur Matrix-Revolution devrait donner l’avantage au premier mais Matrix est lui-même tiré d’un comics. Donc peu importe de savoir qui a copié qui, ce qu’il importe de voir c’est que les thèmes se répètent sans se renouveler.

Les décors de la ville sont néanmoins biens rendus et si c’est ce que nous prépare l’avenir, il y a de quoi s’inquiéter : Bienvenue à Gattaca ! En un mot, Evangelion 1.0 est un gros blockbuster qui ravira sans doute les fans de manga et de la série mais qui manque cruellement d’inspiration et de profondeur. Que tout le monde se rassure, fans ou détracteurs, il y a bien d’autres ultimes épisodes de prévus suite au tollé qu’avait provoqué la sortie du premier en 1997. Dix ans déjà. Eh oui dix ans et rien n’a changé ! Donc il y aura une suite et le film se charge de nous le rappeler sans aucune subtilité en nous balançant un gros « A suivre » rapidos avant le générique de fin. Chouette, même là, on se croirait à la télé !

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Summer's tail

2007-11-04T23:41:00.000+01:00

De Wen-Tang CHENG, avec Jui-Chia CHANG, Dean FUJIOKA, Enno, Han LIN

Green Light Film Ltd, Sundream Motion Pictures Ltd, Taïwan/ Hong-Kong

Voici un film taïwanais qui ne paie pas de mine. A la lecture du synopsis on pourrait imaginer une autre de ces bluettes sentimentales relatant les amours adolescentes de jeunes lycéens à la fin de l’été. Mais Summer’s tail commence différemment. Un groupe de musique répète et le leader du groupe nous livre le secret des grands artistes : l’ennui ! Un concours de musique dans lequel Yvette semble déjà participer en guest star, un playboy de dernière année est amoureux de sa professeur et le laisse éclater au grand jour, et un chat « Summer » si libre d’aller et venir. Summer’s tail commence là où les autres films finissent. C’est dire que le scénario va aller plus loin. Chacun des personnages a une passion, A Yvette la musique et les balades sentimentales, à Akira, l’émigré japonais, le footbal, A Jimmy sa professeur et — nous dit-il — le calcul, A Wendy, les études. Chacun l’assouvit comme il le peut et trouve refuge dans l’amitié qu’ils ont les uns pour les autres. Amitié qui prend souvent un tour plus amoureux quand Yvette s’éprend de Jimmy et Wendy est en pamoison devant le cancre Akira. Tout ceci pourrait très bien s’arrêter là et nous brosser un portrait magnifique de la jeunesse taïwanaise qui enfourche les vélos comme les murs et s’éprend de liberté, comme le chat Summer.

Mais il y a cette histoire dans l’histoire, cet épisode qui paraît anecdotique tout d’abord puis prend de l’épaisseur à mesure que le film avance. Willy est un jeune garçon toujours sale et barbouillé qui vole quelques sandwiches au restaurant du coin sous l’œil bienveillant du patron qui fait preuve de mansuétude à son égard. Bientôt Yvette recueille des bateaux de papier sur le canal où elle a l’habitude d’aller s’allonger. Des mots d’enfants y sont écrits, des mots simples et durs d’orphelin. Non, Willy n’est pas totalement orphelin. Seule sa mère a disparu, mais son père, alcoolique et inattentif n’assume plus son rôle. Alors Willy vole. Quelques menus larcins pour nourrir sa petite sœur. Dans ce quatuor adolescent, la présence de Willy intrigue d’abord puis questionne ensuite.

Le réalisateur ne choisit pas de se focaliser sur l’un plutôt que l’autre, sur un ensemble plutôt que sur un individu. Il accorde une place égale à chacun, en permettant à Yvette d’être le ciment entre eux. Le père d’Yvette est absent. Elle vit avec sa mère et sa grand-mère dans un bonheur apparent qui ne pourrait être troublé que par ses ennuis cardiaques. Non, n’ayez crainte, le film ne vire pas au mélo, le scénario ne se charge pas trop. Chaque élément de l’histoire contribue à son dénouement et à aucun moment le réalisateur ne charge la note. Chaque fil est subtilement tissé pour que la toile soit finalement dénouée, à la manière d’un mandala tibétain que l’on efface de la main. On connaît le cinéma taïwanais de cet acabit pour être particulièrement réaliste et psycho-dramatique. Ici, si les modèles du genre sont respectés, le film prend à contre-pieds les intrigues classiques et s’intéresse à savoir comment un homme va pouvoir faire le deuil d’une relation passionnée pour mieux se reconstruire, comment l’amour va aider un étranger perdu d’une île dans une autre à assouvir sa passion pour son sport, comment l’amour d’une mère peut naître autrement que par l’enfantement. Summer’s tail est tout cela à la fois, une comédie sentimentale qui n’en fait pas trop, un mélodrame qui laisse place à l’optimisme, un drame psychologique qui souligne la douleur de l’absence et une fable qui n’oublie pas qu’à force de fuir leurs rêves, les adultes n’auront jamais la chance de les (se) réaliser.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Triangle

2007-11-04T23:28:00.000+01:00

De Tsui Hark, Ringo Lam, Johnnie To, avec Louis KOO, Simon YAM, Sun Hong LEI

Celluloid Dreams, Hong-Kong

Sam, Fai et Mok galèrent pour trouver de l’argent jusqu’à ce qu’un homme mystérieux leur livre un secret : un trésor d’une grande valeur se trouve enfoui sous un immeuble gouvernemental. Sceptiques au départ, les trois décident de tenter le coup et s’emparent du trésor. Malheureusement ils ne sont pas le seuls sur le coup et bientôt une course-poursuite s’engage. Mais peuvent-ils seulement se faire confiance les uns les autres ?

Le concept de Triangle est simple à la base : donner carte blanche à trois réalisateurs hong-kongais pour tourner un film collégial sur le principe du cadavre exquis dont chacun tournera une partie sans connaître celle de l’autre. Le résultat final est bien plus mitigé que ne le laisserait paraître une distribution aussi impressionnante. La première partie réalisée par Tsui Hark tient la route tant au niveau du scénario que de la réalisation. On est plongé dans l’univers du réalisateur, plans de coupe très serré, montage rapide, scènes d’actions. Mais facile direz-vous, il débute les festivités. Puis on passe par un milieu plus calme signé Ringo Lam, qui a la part la plus ingrate celui de réaliser un épisode d’un tryptique dont il ne connaît ni le début ni la fin. C’est aussi au réalisateur le plus talentueux et expérimenté que devrait revenir une tâche aussi délicate. Reste à savoir lequel ! Du point de vue de l’histoire, ça ne suit pas. On se perd entre différents enjeux parmi les personnages. Mais sur le plan de la mise en scène ça tient la route.

Puis vient le dernier acte réalisé par Johnnie To, qui part en mascarade visuelle, une sorte de pastiche du genre, décalé et non conventionnel. Le tout termine comme d’habitude dans une pétarade de coups de feu et de cascades qui bizarrement est le plus difficile à suivre (à 3h30 du matin, heure à laquelle nous avons eu l’occasion de voir ce film). Dans l’ensemble, la volonté reste très marketing et égocentrique, les réalisateurs se sont fait plaisir à faire un film qu’ils voulaient partager depuis longtemps. Sur la route, ils ont un peu oublié celui des spectateurs qui ont du mal à suivre leurs élucubrations sans perdre leur souffle. Au final, un ratage qui aurait pu donner quelque chose de beaucoup plus réussi. Mais peut-être faut-il le voir dans d’autres conditions ? Des amateurs ?

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

The photograph

2007-11-04T23:15:00.000+01:00

De Nan Achnas, avec Kay Tong LIM, Shanty, Lukman SARDI,

Directeur photo : Yadi Sugandi, SALTO Films, Indonésie

Sati est une jeune fille meurtrie par la vie. Elle travaille comme serveuse dans un karaoke et offre ses faveurs comme prostituée pour rembourser ses dettes et envoyer de l’argent à sa fille restée avec sa mère à la campagne. Le film débute lorsqu’elle est évincée de son appartement et doit trouver refuge chez Johan, un vieux photographe d’origine chinoise chez qui elle avait l’habitude d’aller prendre ses photos. Réticent au départ, le vieil homme prend finalement Sati sous sa protection. Lui aussi a été blessé par la vie. Il porte un lourd secret que seules laissent entrevoir trois photos en noir et blanc qu’il étale religieusement chaque soir et ses offrandes quotidiennes sur une voie de chemin de fer désaffectée. The photograph nous montre la relation qui se noue entre les deux personnages qui n’est pas originale en soi, de nombreux duos ont été incarnés à l’écran qui sont passés de la défiance à la confiance. Mais l’intérêt du film réside dans la succession que Johan veut trouver alors que le glas se fait entendre pour lui de plus en plus clairement. En parallèle à ses recherches d’un repreneur, l’intérêt de Sati pour l’art photographique grandit et ses émotions pour sa fille qu’elle ne peut contenir dans les brefs coups de téléphone qu’elle peut lui accorder trouvent un écho dans l’unique photo qu’elle a d’elle. Chacun des héros a laissé quelqu’un derrière lui. Pour Johan, la photo, c’est le témoignage du passé. Il le regarde avec amertume et tristesse. Sati, au contraire, y voit les promesses de l’avenir et des retrouvailles. C’est ce croisement de générations, ce passage de relais avec au centre, la photographie, que ce film parvient si bien à transmettre. Sati, incarnée à l’écran par la chanteuse de pop Shanty, de son nom complet Annissa Nurul Shanty Kusuma Wardhani Heryadie, est interprétée avec brio par la jeune artiste prouvant que certains acteurs et actrices peuvent se révéler à la lueur d’un beau scénario.

Il paraîtrait naturel pour un film sur la photographie que la photographie du film soit réussie. Pourtant cette vérité si évidente se doit d’être soulignée. Que ce soit la couleur, la lumière, les cadres, tout est parfait dans The photograph. Sans compter que celui-ci a bénéficié d’une post-production très soignée aidé en cela par la France puisque ce film est le fruit d’une collaboration entre des pays aussi nombreux que variés : France, Suisse, Italie, Pays-bas…

Nan Achnas qui avait réalisé et co-écrit Whispering Sands en 2000 prouve une fois encore ses talents d’écriture et son incroyable maîtrise du vecteur narratif que constitue la photographie. Il s’agit en effet dans ce film, au-delà de l’histoire de ses deux personnages, d’une ode à la photographie, des émotions qu’elle fait partager, des histoires qu’elle raconte et de la mémoire qu’elle véhicule.

Mystere Vic – 12^thPIFF, Octobre 2007

Xiaolin, Xiaoli

2007-11-04T23:09:00.001+01:00

De Miaoyan Zhang, avec Danhui MAO, Yun LIU, Xiaolong DENG, Chengliang LI

Rice Production, Chine

Deux mots, deux noms qui résonnent comme la Chine profonde. Deux prénoms, celui d’un jeune fermier venu dans le chef-lieu de la province pour gagner plus d’argent en y travaillant comme maçon. Celui d’une jeune épouse laissée derrière lui par un mari parti à Shanghai dans l’espoir de rembourser des dettes colossales. Xiaolin, le jeune homme donc, est animé d’une forte libido qui le rend fou et qu’il ne peut ni ne veut assouvir avec les prostituées du bord de la rivière. Ceci, contrairement à son colocataire, la quarantaine, célibataire endurci qui leur rend régulièrement visite. Xiaoli quant à elle caresse l’espoir qu’une fois leurs dettes remboursées et suffisamment d’argent mis de côtés, ils pourront regagner leur village natal. Pour gagner plus et plus vite elle se livre donc à la prostitution. Le film retrace deux parcours finalement similaires représentatifs de la paupérisation du pays. A travers deux personnages, on s’aperçoit que la solution toute trouvée qui consiste à se dénicher un ou une époux(se) conduisent au même résultat. Marié ou non, ces deux là finissent dans les mêmes ornières.

Ce film se veut dédié aux vingt millions de prostituées et aux cent cinquante millions de fermiers en Chine. On raconte que des centaines de filles sont mortes en une année, probablement détruites par leur condition ou ceux qui en profitent. Filmé alternativement en plans d’ensemble et en gros plan, sur pied ou en caméra à l’épaule, en contre-plongée, Xiaolin, Xiaoli témoigne d’un naturalisme opportun. Le réalisateur, Miaoyan Zhang est au plus près de ses personnages jusqu’à pénétrer leurs consciences. Les lettres que Xiaoli écrit à son mari —mais partent-elles seulement ou sont-elles thérapeutiques ?— expriment un amour et une détresse infinies. La rencontre entre les deux personnages dont l’évolution a été montée en parallèle constitue l’apogée tant attendue d’un film qui montre le processus de destruction morale auquel peuvent conduire la misère sociale et sexuelle. Cette rencontre qui donne lieu très justement à un traitement expressionniste aboutit à une catharsis qui n’est pas nécessairement prévisible. C’est donc le parti pris de l’auteur de donner une couleur particulière à son histoire en noyant les notes positives dans un encrier d’amertume. Un film dur mais réaliste qui dresse le portrait d’une Chine contemporaine et impitoyable.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

My song is...

2007-11-04T22:44:00.000+01:00

De AHN Seul-ki, avec SHIN Hyun-ho, MIN Sei-yeun, YOON Sei-min, JU Min-ha

Indiestory Inc., Corée

My Song Is est un petit film indépendant du réalisateur de Five Is Too Many qui dresse le portrait d’un jeune homme élevé par sa grand-mère et dont le père alcoolique revient au foyer. La grand-mère qui voit ne rien pouvoir faire pour améliorer cette relation décide de partir du jour au lendemain. Entre son boulot de livreur de pizza, le boulet qui lui sert de père et son pote qui lui a emprunté beaucoup d’argent, Hee-cheol ne garde pas beaucoup de place pour le rêve. Jusqu’au jour où Yeon-joo lui demande de jouer dans le court-métrage qu’elle réalise pour ses études.

Ce film tourné en noir et blanc à l’exception des inserts vidéo qui apparaissent en couleur reste sans prétention. Il traite de manière sobre le passage à l’âge adulte mais peine à trouver un fil conducteur qui mènerait le personnage vers une autre réalité.

Mystere Vic, 12^ePIFF, Octobre 2007

The flight of the red balloon

2007-11-04T22:33:00.001+01:00

De Hou Hsiao Hsien, avec Juliette Binoche, Simon Iteanu, Fang SONG

Margo Films, Taïwan / France

Habituellement, on dit qu’un film est asiatique lorsqu’il a été produit ou co-produit par une société siégeant en Asie. C’est la règle du métier même si en France les règles sont plus floues, le film Indigènes ayant représenté l’Algérie aux Oscars malgré une production à 90% française. Mais il serait plus vrai de dire qu’un film représente l’Asie lorsque son histoire, ses personnages, ses idées sont asiatiques. Et en tout état de cause, lorsque son réalisateur est lui-même issu du giron taïwanais. Dans et esprit, il y avait une surprise à ce douzième festival de Pusan : A l’image d’un « Et là bas quelle heure est-il ? » de Tsai Ming Liang, Hou Hsiao Hsien vient de signer le premier d’une série de films commandés par le musée d’Orsay. Le réalisateur taïwanais a choisi de baser son film sur l’histoire du ballon rouge, librement inspiré du film d’Albert Lamorisse (1956). Il a été amené à Pusan dans la série des présentations de Gala.

Et les spectateurs ont dû être surpris de retrouver un environnement familier aux films Café Lumière, Le maître de marionnettes tout en entendant la voix de Juliette Binoche qu’elle prête ici à un personnage doublant un spectacle de marionnettes chinoises. Suzanne est donc une mère vivant seule depuis que son compagnon est parti pour le Canada. Elle élève Simon mais entre ses séances de répétitions, ses cours sur l’art traditionnel, elle n’a que peu de temps à lui consacrer et engage Fang, une étudiante en cinéma originaire de Taïwan comme nounou. Simon n’a pas à se plaindre, entouré qu’il est de femmes attentionnées. Entre son professeur de piano, sa mère très émotive, sa nounou très zen, et sa sœur complice, il n’a pas à se plaindre. Mais comme une provocation à un enfant trop gâté, il est poursuivi par un ballon rouge qui le nargue depuis le début du film. Il revient en leitmotiv ponctuer les moments forts et lui rappeler que contrairement à lui, Simon en étant surprotégé est privé de sa liberté.

On savait la relation entre Hou Hsiao Hsien et la France forte. Elle se concrétise ici par un objet cinématographique, aboutissement d’un projet de longue date. Filmé à Paris, avec des acteurs français et une actrice taïwanaise, ce film reste avant tout taïwanais par la patte reconnaissable du réalisateur, par ses préoccupations. La caméra suit les mouvements erratiques du ballon rouge qui se pose sur un mur de Paris, frappe à la fenêtre d’un appartement. Comme un long plan-séquence qui nous mènerait des toits de Paris vers l’intimité de ses habitants. Certains quartiers de la ville, le quai d’Orsay, le quai de Jemmapes sont magnifiés par la mise en scène mouvante et émouvante de HHH. Le jeu de Juliette Binoche en mère fragile et remuante contribue également beaucoup à la réussite du film tandis que son fils Simon (Ineatu), rêveur et naturel fait le lien entre les personnages. La tradition chinoise est également convoquée comme un clin d’œil au travail passé du réalisateur. Le maître de marionnettes, art dont Suzanne est passionnée, est lui aussi présent. Ainsi, Le Vol du Ballon Rouge, outre montrer la situation des mères célibataires, livrées à elles-mêmes, est une partition poétique sur le thème des relations humaines, l’amitié et ses limites, l’amour filial, le couple et ses déceptions. A découvrir sans hésitations.

Mystere Vic – 12^thPIFF, Octobre 2007

M

2007-11-04T16:42:00.000+01:00

De Lee Myung-Se, avec Gang Dong-won, Lee Yeon-hee, Gong Hyo-jin

Production M / Showbox / Mediaplex Inc., Corée

M comme Mauvais ou M comme Maudit ? Le dernier film de Lee Myung-Se aurait pu être un joyau dans un écrin de cristal, il ne subsiste à l’écran que l’écrin avec un bijou en toc à l’intérieur.

Han Min-woo est un auteur à succès sur les points de s’engager sur les marches nuptiales avec Eun-hye. Sous pression pour terminer son prochain roman, il scrute sa mémoire à la recherche de son premier amour Mimi, constamment à la frontière entre la fiction et la réalité, entre le fantasmé et ce qui s’est réellement produit dans le plus pur style Lynchien, le talent narratif en moins.

Ce qui au départ apparaît comme une mise en bouche très aguicheuse avec des plans extrêmement construits, des jeux d’ombres et lumières, de réflexion magiques, une mise en lumière soignée qui ne s’attarde que sur les jolies gambettes des jeunes femmes dans une rue familière ne s’avère être qu’un étalage tape-à-l’œil des talents photographiques de Lee Myung-Se. Dans cet univers déstructuré, on se plaît pourtant à imaginer la suite, à se demander ce qu’il est advenu à cette femme qui joue à cache-cache avec le personnage principal. Car on sait d’emblée qu’il y a un décalage entre cette réalité et celle du romancier. Est-elle un personnage de son roman, un fantôme qui revient le hanter, une liaison secrète qui resurgit du passé. Ce qu’on devine immédiatement par sa tenue, ses manières, c’est que cette personne a trépassé. Mais l’amnésie ou la pseudo-amnésie du romancier n’aide en rien à dénouer la trame du récit. Durant la première heure, il brouille les pistes. On pense alors à Mulholland Drive où les fragments du récit se recomposaient petit à petit.

Puis c’est la déception. Le film tourne au mélo dramatique, à l’histoire conventionnelle pour terminer sur un semblant de réflexion philosophique sur la mémoire en voix off. Avec M, on est toujours dans le thème éternel de l’écrivain face à sa page blanche. Mais y verrait-on ici une analogie avec le réalisateur devant une absence de scénario ? Ce serait sans doute aller trop loin sauf si l’on considère que le réalisateur de Duelists a déjà confessé son incapacité à écrire des histoires. Il nous tarde donc que Lee Myung-se s’associe à un scénariste digne de ce nom et le résultat promet d’être intéressant. Le jeu entre fiction et réalité aurait pu être beaucoup mieux rendu dans M et ces détails du film auraient conféré au film une cohérence bien plus pointue et par là même livré un message plus convaincant.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Hwang Jin Yi

2007-11-01T23:32:00.001+01:00

De Chang Yoon-hyun avec Song Hye-kyo, Yoo Ji-tae

CINE2000 / CJ Entertainment Inc., Corée du Sud

Hwang Jin-Yi est une figure mémorable dans l’inconscient collectif coréen. Personnage insolite réinterprété abondamment à travers l’histoire comme le fut Chun Hyang. Ce film est l’adaptation d’une histoire par un écrivain Nord-coréen Hong Seok-joong. Il y ajoute un héros romantique, sorte de Robin des bois à la coréenne dont le destin croise celui de l’héroïne principale. Ainsi, en plus d’en faire un très beau portrait d’une noble aristocrate déchue devenue Gisaeng, l’histoire permet à Chang Yoon-hyun de brosser celui d’un couple légendaire.

Hwang Jin-Yi (Song Hye-kyo) très belle aristocrate élevée dans la pureté et les traditions apprend, à la veille de ses fiançailles, qu’elle n’est qu’une orpheline bâtarde, recueillie et élevée par celle qu’elle appelait jusqu’alors « mère ». Devant les choix qui s’offrent à elle, elle choisit de suivre les pas de sa véritable mère et de devenir Gisaeng, une dame de compagnie versée dans les arts semblable à la Geisha japonaise, une courtisane également dans le secret des grands hommes du pays et parfois à l’origine de missions diplomatiques. Nom-Yi (Yoo Ji-tae) est un orphelin que le père de Jin-yi a recueilli lorsqu’ils étaient tous deux enfants. Comme le font les enfants, ils s’étaient promis ingénument l’un à l’autre jusqu’à ce que Nom-Yi se fasse chasser de la maison. Quand il revient des années plus tard, Jin-yi est devenue très belle et grâcieuse et lui, un combattant aguerri, rompu à la rue et à ses turpitudes. Il se fait engager comme Intendant de la maison et doit faire face à la curiosité grandissante de Jin-yi pour le monde alentour.

La légende originale dépeint Hwang Jin-yi comme une courtisane qui sait se jouer et se moquer des grands hommes et certaines représentations du personnage comme la série TV coréenne mettent l’accent sur cet aspect de sa personnalité. Mais le personnage de Nom-Yi et la noblesse des sentiments qu’il fait naître chez Hwang Jin-yi en font l’héroïne romantique de ce film éponyme tandis que son partenaire à l’écran l’est tout autant. Ce film est donc avant tout le portrait d’un couple qui se cherche depuis l’enfance, se perd de vue puis se retrouve à l’âge adulte dans des circonstances dramatiques. Nom-Yi doit devenir le protecteur de la nouvelle Gisaeng, vulnérable dans ce monde impitoyable de plaisirs et de luxure. Par un enchaînement d’ellipses, le réalisateur ne s’attarde pas sur la maturation du personnage de Jin-yi. Pour ceux qui voudraient en voir plus, il est sans doute préférable d’aller s’abreuver aux interminables séries télévisées qui lui sont consacrées. Ici, l’accent est mis sur les moments clés de cette relation qui s’efface puis resurgit avec le temps. Suivre ainsi les destinées de Jin-Yi et Nom-Yi à travers les péripéties de l’histoire reste une des grandes réussites du film. La réalisation est impeccable à l’image de ces fresques historiques dont les Coréens sont devenus friands et le scénario ne manque pas de rebondissements. Avant tout, il fait la part belle aux épanchements et à un traitement relativement introspectif des deux personnages. S’il idéalise finalement l’image de ce couple éternel, c’est à l’avantage du film en lui donnant une dimension universelle à laquelle le public occidental sera peut-être plus sensible qu’à la véracité du récit.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

God Man Dog

2007-11-01T23:20:00.001+01:00

De Singing Chen avec Tarcy SU, Jack KAO, Han CHANG, Jonathan CHANG, Ula UGAN

The 3^rd Vision Films / OCEAN DEEP FILMS, Taïwan

Si la religion est un opium du peuple, beaucoup de monde cherche à s’en désaccoutumer. Le grand-père peut en témoigner, lui qui recueille les statuettes et reliques abandonnées. D’autres y cherchent un refuge : Contre l’alcool comme Biung et sa femme A-Mei qui vivent séparés de leur fille future combattante professionnelle. Ou encore contre la dépression comme Ching, un modèle pour mains qui ne peut se remettre de la perte de son enfant. Les personnages qui nous sont présentés dans ce film chorale de Singing Chen se croisent sans se rencontrer et pourtant leurs destinées s’entrelacent, se répondent, reliées par une quête commune, celle d’un futur meilleur. Par certains aspects le film se distingue, originalité des personnages du grand-père : Mutilé à une jambe, il prend soin des fétiches abandonnés et des êtres en perdition. Comme ce jeune garçon insatiable qui mange des bols de nouilles comme dix et est maigre comme un clou. La musique traditionnelle agrémentée de Theremin, cet instrument électro-acoustique russe accompagne cette galerie de personnages, bouddhistes, chrétiens ou athées sur les routes du destin.

Mais God Man Dog se perd dans un propos touffu et digressif. A vouloir parler de la condition humaine qui est bien aussi valable que celle des Dieux ou des Chiens, la réalisatrice voudrait faire de ses personnages, le lien entre ceux-ci et ceux-là. A trop en faire, les chiens et les divinités deviennent des figures récurrentes presque omniprésentes du film délaissant les hommes ou les reléguant à l’arrière-plan. A vouloir explorer les thèmes de l’indigénéité face au peuplement d’immigration, de l’occidentalisation et de la perte de repères de la société taïwanaise, Singing Chen n’en traite finalement aucun complètement. C’est le regret qu’on peut émettre sur God Man Dog et ce qui en fait une malheureuse tentative avortée. Comme si, à l’image de son héroïne, elle avait accouché d’un film sans pouvoir l’accompagner ensuite.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Hello stranger

2007-11-01T23:01:00.000+01:00

De Kim Dong-Hyun avec Park In-Soo, Choi Hee-Jin, Quang Su, Bang Young

KIMDONGHYUN FILM, Corée du Sud

Hello stranger parle de la difficulté d’intégration des immigrés en Corée du Sud. Un peu à l’image des « If you were me » il parle de ces exclus de la société coréenne, mais sous l’angle des exilés politiques et affectifs. Ici, ils sont deux : un homme originaire de Corée du Nord, Jin-wook et un Vietnamien sorti de sa campagne à la recherche de sa fiancée partie marier un Coréen d’une autre campagne.

Jin-wook est un bougre nord-coréen qui a fui le régime dictatorial pour s'exiler en Corée du Sud (en passant via la Chine). Les Megastore, les SuperMegaGigashoppingmall, la froideur apparente des Coréens de prime abord sont des épreuves qu’il n’a pas forcément anticipées. Chaque année ils sont comme lui des milliers à tenter le coup, à passer la frontière pour rechercher une vie meilleure. Des stages d'adaptation les attendent à l'arrivée. On ne les lâche pas comme ça dans la nature avec des guichets automatiques, des cartes de fidélité, des écrans tactiles et des signatures électroniques. Il leur faut longtemps pour s'adapter à cette réalité et au regard des autres. "Ah vous êtes un déserteur nord-coréen!". Sous-entendu, "encore un!" Certains s'installent à Séoul, d'autres à Pusan. Certaines encore viennent de plus loin, du Vietnam pour épouser des campagnards en mal d'affection. Une somme rondelette, le voyage payé et voilà la belle engrossée, et installée dans une ferme de la Banlieue de Booan. Et l’arrivée de son fiancé qui a fait le voyage en terre inconnue n’y changera rien. La réalité est cruelle, plus cruelle que les rêves exotiques auxquels nous convie la séquence d’ouverture du film.

Solidarité contre individualisme : c’est un des thèmes principaux soulevés par le film. On y constate que la Corée du Sud est devenue une société individualiste et y a un peu perdu son âme. C’est à la fois un film sur le déracinement, la difficulté d’exister dans une société qui accepte mal la différence et également un film sur la corruption des valeurs humanistes. Non pas que le film soit un plaidoyer en faveur de la société communiste qui prendrait à revers tous les travers de la société néo-capitaliste mais il souligne néanmoins certaines des valeurs inculquées aux citoyens de pays comme la Corée du Nord et la République Socialiste du Vietnam. A moins que ce ne soit la dernière étincelle d’espoir dans une société devenue ultra-individualiste que ces deux hommes qui se reconnaissent dans leur étrangeté et se lient alors que des barrières infranchissables les séparent. Le message de ce film émouvant dont l’apogée a lieu dans ce plan fixe sur le sol du motel, c’est que l’ostracisme dont sont victimes les immigrants en Corée du Sud peut trouver une issue optimiste dans la solidarité qui naît entre eux. Où que l’on se trouve, on peut toujours trouver plus étranger que soi, plus mal loti que soi dans un pays où ignorer la langue et les usages conduit le plus souvent à la prison sauf si l’on compte sur la mansuétude d’un détective qui prend de pitié les exclus et leur condition. Et ce constat étrangement rassurant induit immanquablement un mouvement d’empathie envers l’autre.

Si ce film fait donc l’expérience amère d’une Corée qui a corrompu son âme en devenant méfiante de l’étranger — son passé de peuple colonisé y étant pour beaucoup — il n’est pas totalement pessimiste puisqu’il est possible d’y déceler des repères humanistes dans des situations où tout semble perdu. Ce que les deux acteurs principaux, Park In-Soo et Quang Su incarnent à merveille et leur interprétation très juste est d’ailleurs à souligner. Hello stranger est fait pour tous ceux qui ont déjà eu cette sensation d’être étranger quelque part et à tous ceux que cette expérience attire.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

With a girl of black soil

2007-11-01T22:44:00.001+01:00

De Jeon Soo-il avec You Youn-mi, Jo Young-jin, Park Hyun-woo

Dong Nyuk Film, Corée du Sud

Dans un village de mineurs de la province de Kangwon, la vie difficile d’un père célibataire qui élève ses deux enfants, Young-lim, petite fille de neuf ans très précoce et son frère Tong-gu, attardé mental. Alors que la mine est menacée de fermeture, le père est victime d’un accident et son état de santé ne lui permet pas de poursuivre le travail. Il est renvoyé sans compensation financière et doit se mettre en quête d’un nouveau travail. Il se met bientôt à son compte comme livreur mais un accident provoqué par Tong-gu le met de nouveau sur la paille. Il sombre alors dans la déchéance et l’alcool ne pouvant plus faire face à ses responsabilités de parent et d’homme.

With a girl of black soil est un film noir, empreint d’humanité, un Blindshaft coréen sur les conditions sociales dans une région de mineurs condamnée. A la manière d’un Ken Loach ou d’un Mike Leigh, dans un style épuré, Jeon Soo-il réalise un cinéma social, dans ce premier volet d’une trilogie consacrée à trois filles dont la première est Young-Lim admirablement interprétée par You Youn-mi. Entre un père devenu alcoolique et un frère handicapé, elle trace son chemin de petite mère courage. La musique sobre et minimaliste vient illustrer très à propos cet univers charbonnier, où la contrebasse ponctue une partition noire et froide comme cette région de la Corée. Ce film évoque Zola, les âpres conditions de travail, le coron, la froideur de l’administration. Certaines scènes rappellent indiscutablement un film présenté à Pusan il y a deux ans, Grain in Ear, qui relatait la vie d’une femme sino-coréenne dans un village assez pauvre et l’amer cheminement qui menait au plan-séquence final, la femme de dos, qui le tournait à la société et marchait vers l’avenir. Ici, la femme est remplacée par la fillette dans ce plan-séquence identique après un dénouement semblable. Ainsi, différents profils évoluant dans des milieux sociaux différents mais durs convergent vers le même résultat pessimiste et violent. Un autre point commun avec le cinéma réaliste que l’on peut trouver dans certains films chinois comme l’orphelin d’Anyang ou les films de Jia Zhang Khe, ce sont ces longs plans fixes où les personnages entrent et sortent comme dans un tableau. S’ils ne portent pas toujours le film, ils l’étayent d’un cadre nécessaire qui lui donne plus d’équilibre. Dans cette scène où le père glisse sur le pierrier en entrant par le haut du cadre pour ressortir par le bas, on peut y voir sa nécessaire entrée dans la folie ou sa lente descente aux enfers.

La figure de la mère, absente est également une des particularités de ce film. Son rôle est donc endossé par la fillette. On ne sait pas ce qui lui est arrivé. Est-elle partie, est-elle morte ? Le scénario ne statue pas sur ce point et laisse le spectateur se faire sa propre idée. Pour l’enfant, déjà très mâture, c’est une lourde responsabilité qui pèse sur ses jeunes épaules. With a girl of black soil est sans nul doute un des coups de cœur de ce festival. Si ce type de film est rare en Corée où l’on préfère occulter les difficultés sociales pourtant frappantes au profit d’histoires plus sentimentales, ce type de production indépendante est utile à la construction du cinéma national et signe son étonnante diversité.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

881

2007-11-01T22:10:00.001+01:00

De Royston Tan, avecYu Wu QI, Mindee ONG, Yann Yann YEO, Ling Ling LIU

Zhao Wei Films Pte, Ltd / Singapour

Après 15 en 2001 et 4:30 en 2006, Royston Tan poursuit sa quête des nombres avec 881 en s’essayant cette fois au genre musical. Et il y réussit plutôt bien. Il signe là une vraie comédie musicale un genre nouveau sur une île pourtant férue de musique. Le Getai est cet art populaire à Singapour qui consiste à chanter des ballades populaires du Hokkien durant le 7^e mois lunaire, lorsque la porte des Enfers s’ouvre pour laisser revenir les fantômes. Deux jeunes filles, Little Papaya et Big Papaya rêvent de devenir de célèbres chanteuses de Getai dont elles sont fanatiques. Sœurs de cœur, Tante Ling les y entraîne sans pour autant qu’elles trouvent l’étincelle qui ferait d’elles un duo légendaire. Elle décide alors d’emmener ses deux protégées voir la déesse du Getai, un esprit qui les dote d’une voix fabuleuse leur permettant de charmer les foules. A plusieurs conditions néanmoins dont celle qu’elles restent pures et ne connaissent jamais l’amour d’un homme. Les premiers temps, les sœurs Papaye gagnent en notoriété et s’acquièrent un public fidèle mais c’est sans compter la jalousie des sœurs Durian, un autre duo de Getai. Le jeu de mots sur les fruits est appréciable tant, pour un Occidental, l’odeur du Durian est puante et nauséabonde comme le caractère de ces deux rivales des sœurs Papaye, un fruit quant à lui plutôt sucré et juteux. Pour mettre fin à cette rivalité, les deux duos consentent à un duel de Getai dont les perdants devraient quitter la scène pour toujours. Bien sûr, comme on l’imagine tout ne va pas se passer à la loyale.

881 qui tire son titre de la prononciation de « Papaye » en Chinois qui se rapproche de « 881 » nous fait partager la relation intime entre ces deux sœurs adoptives que la musique a réuni. Comme dans un opéra tragique où les chœurs antiques nous auraient tracé d’emblée le chemin, ici tout est joué d’avance et il faut laisser faire le destin. Dans une séquence liminaire, racontée non par un chœur mais par le fils sourd-muet de Tante Ling, on sait en quatre minutes qui sont les personnages et ce qu’il adviendra d’eux. C’est pour Royston Tan la meilleure façon, alors, de se concentrer sur l’esthétique de son film et notamment les magnifiques costumes que portent les chanteuses et la musique entraînante du Getai dans la compétition qui oppose les sœurs Durian aux sœurs Papaye. Comme dans beaucoup de films singapouriens, on a affaire à une mosaïque de personnages hauts en couleur qui représentent la diversité culturelle et communautaire de cette île. En s’adressant plus particulièrement à l’une d’entre elles, la communauté chinoise, le réalisateur réussit là une fable musicale plaisante sur la difficulté d’exister et de se réaliser.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Life Track

2007-11-01T22:05:00.001+01:00

De Guang Hao JIN, avec Jing Hu CHUI, So Yeon JANG

Yambian Broadcast / Studio Nurimbo, Chine / Corée du Sud

Ce film sino-coréen part d’une histoire intéressante : Un homme ayant perdu les deux bras et qui vit seul, reclus dans la montagne, rencontre une jeune femme sourde-muette en fuite. Il va l’héberger et la cacher et une relation naît entre eux. Mais quelque chose, un souvenir, hante l’homme. La grande réussite de Life track c’est d’abord de nous montrer la vie de cette homme livré à lui-même. Comment survit-on lorsqu’on n’a plus de bras ? Eh bien, on s’adapte. Toute une partie du film est consacrée à de longs plans-séquences sur les pieds du héros qui fait preuve d’une dextérité (ou faudrait-il dans ce cas parler de pedextérité ?) incroyable. Jamais on ne sombre dans un voyeurisme obscène, dans le phénomène de foire. Au contraire, tournant beaucoup en caméra subjective, le réalisateur nous permet d’entrer dans la vie de cet homme en voyant le monde avec ses yeux. Puis lorsque la femme arrive, c’est alors avec les siens qu’on découvre le personnage.

Mais le film peine malheureusement à trouver son sujet puisqu’il ne s’agit pas de l’homme lui-même mais de la relation qui s’instaure entre les deux personnages et le passé de cet homme qui l’empêche de réaliser quoi que ce soit, de se réaliser. Dans la deuxième partie du film, la mise en scène est lourde et le film se charge de longueurs pénibles et injustifiées. Les plans s’allongent dans un silence absolu. Il aboutit à une issue dramatique qui ressemble à une fin bâclée, comme une chose dont on voudrait se débarrasser et dont on ne saurait quoi faire. Décevant ! Quand on sait que ce film a reçu le soutien de la commission du film Coréen et du Fonds du Cinéma asiatique du PIFF, on ne peut que s’interroger sur la volonté des autorités de promouvoir un cinéma insolite mais inabouti.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Flower in the pocket

2007-11-01T21:58:00.001+01:00

De Seng Tat LIEW, avec Zi Jiang WONG, Ming Wei LIM,

James LEE, Amira Nasuha Binti SHAHIRAN

Da Huang Pictures, Malaisie

Ce premier film de Seng Tat Liew raconte l’histoire de Sui, un père célibataire trop occupé pour s’occuper de ses deux garçons Li Ahn et Li Ohm. Ces deux gamins font les 400 coups comme tous les enfants de leur âge mais bizarrement ne ressentent pas l’absence de leur mère. Ils sont d’origine chinoise mais vont dans une école musulmane d’où quelques problèmes de langue. Dans un pays aussi multiculturel que la Malaisie, les différences entre communautés sont criantes. Religieuses, linguistiques, culturelles. Le spectateur les découvre avec les yeux d’un enfant et c’est tout le pari réussi de ce film : adopter un point de vue nouveau sur la Malaisie, montrer de ce pays ce qui fait toute sa richesse et tous ses maux.

Une scène au début du film résume tout : le dessin de Li Ohm est resté presque vierge, blanc comme neige. Blanc comme le ciel pour lui. Pour la maîtresse, c’est de la fainéantise. Le ciel est bleu et s’il le voulait blanc, il n’avait qu’à le peindre en blanc. Différences culturelles, différences de point de vue sur le monde. La rencontre avec une petite fille musulmane est aussi évocatrice de ces échanges culturels qui font de ce pays un creuset. Ce film de la nouvelle vague malaisienne qui était d’ailleurs l’un des thèmes de ce 12^e festival de Pusan tient son titre de la fleur blanche que l’on arbore lorsque l’on vient de perdre un proche. Li Ohm, pose un jour une de ces fleurs dans sa poche sans y prendre garde, signifiant par là que sa mère vient de mourir. L’innocence de ces deux enfants, leur besoin d’affection qu’ils expriment inconsciemment et indirectement en adoptant un chiot abandonné sont touchants tout comme la figure du père qui, même absent, veille sur ses fils le soir tandis qu’eux veillent sur lui le matin.

Filmé très simplement mais rigoureusement avec des plans fixes, ce film a le mérite de nous montrer une autre Malaisie tout en couleurs et en nuances. Dans la section New Currents, il se détache sans conteste comme le meilleur des films présentés cette année.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

The red awn

2007-11-01T18:00:00.001+01:00

De Shangjun CAI, avec Alian YAO, Yulai LV, Lu HUANG

Wan Ji Communications & Production Co., Chine

C’est un film sur la réconciliation entre un père et son fils, entre celui qui a quitté sa famille pour aller tenter sa chance à la ville et celui resté à la campagne s’occuper de sa mère, aujourd’hui décédée. The Red Awn commence de manière insolite par une scène où l’homme, Soonghai apprend de la bouche d’un policier qu’il est mort. Le revenant, puisqu’il en est bien un, doit alors à la fois reconquérir son identité, sa maison et son fils Yongtao de 17 ans. Bientôt ils partent en voyage avec une moissonneuse rouge de location, nouvel outil dans les campagnes chinoises qui nourrit la féroce compétition qui a lieu entre les fermiers.

Partant d’un fait divers qui aurait pu amener une tout autre suite, le réalisateur prend le parti de dresser un portrait brut mais authentique de la Chine d’aujourd’hui. Déjà auteur de Shower et Sunflower, Shangjun Cai sait raconter les histoires. Il s’essaie pour la première fois à la réalisation en mettant en image son propre scénario. Ce qui lui vaut sa présence en compétition dans la section New Currents de ce 12^e festival de Pusan. A travers la relation tendue entre le père et son fils, c’est tout un processus social qu’il décrit ici. L’exode rural massif, l’attrait de l’argent et la facilité de le dilapider dans ces villes où existent les tentations insidieuses, la perte des valeurs et des traditions. Ce sont deux Chine qui apparaissent, presque deux pays. L’un mythique, raconté, presque surnaturel, l’autre concret, prosaïque et laborieux. Deux pays, deux générations et cette influence de l’un sur l’autre. Le père vacciné à la vie citadine qui en revient plein d’amertume et de désillusions, le fils ayant appris à vivre seul à la campagne et que les néons de la ville attirent. Deux rapports de force, deux relations qui s’opposent et qui viennent à s’inverser comme pour rétablir un juste retour des choses. The Red Awn est un premier film particulièrement réussi qui prête attention à la fois à la relation humaine qui doit se reconstruire entre un père et son fils et au contexte social qu’il dépeint.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Desert Dream

2007-11-01T17:52:00.000+01:00

De Zhang Lu avec Bat-Ulzii, Seo Jung, Shin Dong Ho

G21m / Arizona Films, Corée du Sud/France

A la frontière entre Mongolie et Corée, dans une région aride où la steppe est menacée par la désertification galopante, un homme, Hangai, vit là avec sa petite famille jusqu’au jour où sa fille, malade, doit aller se faire soigner à Ulambator. Hangai choisit de rester là, seul. Dans un pays où les distances se comptent en jours de cheval, il n’a pas l’occasion de rencontrer beaucoup de monde jusqu’à ce que des voyageurs passent et s’arrêtent dans sa yourte. Soon-hee et son fils Chang-ho sont des réfugiés nord-coréens. Ils ont marché depuis des jours après avoir fui la dictature qui a quand même eu raison du père de Chang-ho, abattu lors de la traversée de la rivière. Depuis, Soon-hee est muette et cède à son fils qui demande à rester avec Hongai plutôt que d’errer sans but, dans une fuite permanente.

Desert dream est un film minimaliste sur tous les plans : celui de la mise en scène avec de longs plans-séquences et des cadres fixes où l’absence de dialogues est compensée par une gestuelle presque théâtrale. Au niveau du scénario, l’action se résume finalement à peu de choses. La petite famille reconstituée tente de stopper la marche inexorable du désert en plantant des arbres. Soon-hee adhère à cette cause et la fait sienne. Elle s’y donne entièrement jusqu’à prendre la relève lorsque Hangai doit partir pour la capitale. Enfin, sur le plan sonore, pas de musique ou presque. Que le son du vent et des chèvres. Parfois l’arrivée d’une voyageuse mongole met un peu de piment dans la vie de cet homme livré à lui-même et à la nature. Mais alors qu’il doit rejoindre sa fille qui va plus mal à Ulambator, il laisse la yourte à ses visiteurs sédentarisés. Ces derniers ne vont pourtant pas tarder à repartir. Leur véritable destination est la Corée du Sud, après tout.

Ce film est finalement une allégorie sur l’aridité d’une vie dans cette région du monde. Desert dream est d’abord le partage d’un rêve, celui d’une vie libre à l’écart du monde et face à la nature mais une vie austère et rude qui ne laisse pas d’alternative autre que le départ. Celui de stopper l’avancée d’un désert qui gagne le cœur des hommes et assèche les consciences mais constitue une frontière entre deux mondes invisibles qui s’apprivoisent peu à peu.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Breath

2007-10-21T15:10:00.000+02:00

De Kim Ki Duk avec Chang Chen, ZIA, Ha Jung-woo

Kim Ki-Duk Films / Cineclick Asia, Corée du Sud

Respiration est un film sur la rédemption. La rédemption du couple qui vient de se déchirer sous nos yeux et le rachat de Jiang Jin de la faute commise qui lui a valu la peine de mort. Son personnage est incarné à l’écran par l’acteur taïwanais Chang Chen, magnifique dans ce rôle silencieux, parlant uniquement par regards et expressions. La cohabitation sur le plateau de Kim Ki-Duk a été facilité par le fait que les deux voulaient travailler ensemble depuis longtemps et qu’un interprète était présent sur le plateau, mais dans l’ensemble « Chang Chen était si expressif que d’un regard on devinait ce qu’il voulait dire » nous confient les acteurs ZIA et Ha Jung-woo.

Yeon a perdu son mari dans une relation adultère. Entière, passionnée, cette artiste-sculpteur s’éprend alors d’un prisonnier du couloir de la mort coréen. Elle lui rend visite en passant de manière irréaliste les barreaux qui la séparent du bourreau devenu victime. Bourreau car Jiang Jin a tué sa femme et ses enfants dans un accès de folie et s’est endormi à leurs côtés, victime car il s’auto-mutile à mesure que son heure approche. Dans chaque film de Kim Ki Duk on trouve des éléments d’une folie contingente qui écartent les personnages d’une réalité trop étroite pour eux mais les rapprochent d’un idéal poétique. C’est le cas de cette femme Yeon qui offre au prisonnier les quatre saisons en guise de cadeau, l’hiver représentant l’acmé du film et son dénouement dans un magnifique « Tombe la neige » version coréenne. C’est le cas de Jiang Jin lui-même qui se poignarde avec un couteau de plastique que son co-détenu utilise pour dessiner sur les murs de la cellule. Cette représentation d’un univers improbable conduit le réalisateur à négliger la vraisemblance de son récit mais peu importe. Kim Ki Duk est au-dessus de la réalité, il parle de sentiments, d’émotions qui ne peuvent être compris que dans un autre monde, plus spirituel. C’est le défi de ces films. Nous évoquer une spiritualité intemporelle à travers des images profondément charnelles.

15 jours seulement et 10 prises auront été nécessaires pour Kim Ki Duk qui tourne vite, très vite, presque dans la précipitation et qui pourtant « revient chaque jour avec de nouvelles idées, est extrêmement inventif et ouvert d’esprit » nous disent les acteurs. Ha Jung-woo et ZIA avaient déjà travaillé avec lui, notamment sur Samaritan Girl et connaissaient donc son univers et sa manière de travailler. Mais l’acteur principal confesse avoir entièrement fait confiance à Jung-woo après avoir vu ses prestations précédentes : « Je savais pouvoir me reposer sur elle »

Dans ce film où aucun détail n’est négligé (la correspondance des numéros d’immatriculation de la voiture et du détenu, les chutes accidentelles puis intentionnelle de la chemise blanc immaculé qui devient souillée par un pneu de voiture), le voyage que l’on parcourt est celui de Jiang-Jin vers la mort et celui de la famille formée par Yeon, son mari et leur fille vers sa renaissance. Finalement, il aura fallu cette épreuve difficile et intense pour provoquer le retour à la normale, à un bonheur normé par la société. Celui de Jiang-jin, lui, aura été court mais fort, il n’aura pas été supporté par un autre de ses camarades de cellule qui l’aime en silence.

Breath est enfin le film sur l’univers carcéral qui ne se concentre pas sur les conditions d’emprisonnement ou les remords du coupable, il fait la part belle à la vie qui peut encore animer ceux qui n’en auront bientôt plus. A travers un dessin, une photo, une chanson, toute l’émotion de ces êtres devient signifiante et peut ainsi résister à la mort.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

3 days to forever

2007-10-21T13:16:00.000+02:00

De Riri Riza avec Nicholas Saputra, Adinia Wirasti

Miles Films Productions, Indonésie

Qu’est ce qui nous pousse à prendre une décision et dans quelle mesure cette décision a-t-elle un impact irréversible sur notre vie ? Telle est la question à laquelle devra répondre le spectateur en voyant le dernier Riri Riza « 3 days to forever ». Ce qui apparaît d’abord comme un road-movie sans intérêt relatant les aventures sans conséquences de gosses de riches issus de la haute société indonésienne, prend corps au fur et à mesure pour devenir un récit de voyage initiatique dont le terme, s’il est anticipé n’en est pas moins incertain. Il aboutit à une maturité émotionnelle et intellectuelle des deux héros. Yusuf (Nicholas Saputra) et Ambar (Adinia Wirasti) sont cousin et cousine à l’écran et ils profitent de la vie en fumant des joints, en se shootant à l’ecstasy et en sortant en boîte, tout ceci dans une ambiance bon enfant. Bref le parcours sans histoire de la jeunesse dorée et désoeuvrée de Jakarta, étudiant dans les meilleures universités, et qui, à vivre sans péril ni peur du lendemain, en vient à mener une vie insipide. Les premières scènes du film sont donc plaisantes mais rapidement ennuyeuses. Et on se demande si le voyage entrepris par Yusuf et Ambar en voiture pour rejoindre Jogjakarta où a lieu le mariage de la sœur d’Ambar ne va pas être écourté en chemin.

Au contraire, le scénario prend un malin plaisir, à l’image de ses personnages, à prendre des détours et à se tromper de route, pour emmener le spectateur sur d’autres chemins, plus introspectifs. Les projets de vie d’Ambar sont questionnés, son éducation de gosse de riche aussi. Pour ces jeunes qui entrent dans l’âge adulte, les thèmes de prédilection restent la sexualité, le mariage, l’avenir professionnel mais à l’heure des choix — 27 serait un âge tournant dans la vie, selon Yusuf— ces choix s’imposent douloureusement et malgré l’apparente impression de liberté, le choix des parents reste souvent final. Leur route croise souvent des seconds rôles issus des différentes communautés de l’archipel dont le comportement interroge encore plus les décisions qu’ils s’apprêtent à prendre.

La force de 3 days to forever, c’est presque de créer des non-événements dans la trame du scénario. A maintes reprises, on s’attend à ce qu’un événement, un catalyseur survienne et vienne renforcer la relation qu’on sent mûrir entre les personnages. Mais par le jeu du montage, de la lumière, du ralenti, Riri Riza nous frustre et nous rassure à la fois. L’attachement qu’on sent naître entre les personnages ne trouve pas d’écho à l’écran, du moins pas immédiatement. Mais c’est surtout leur confiance mutuelle et la manière dont ils se voient l’un l’autre qui grandissent. 3 days to forever c’est donc 3 jours en compagnie d’un couple sur les routes d’Indonésie qui mènent à une seule réponse : la vie n’est qu’un éternel questionnement. Nicholas Saputra joue dans ce film un autre jeune premier qui, sans avoir nécessairement grandi, a mûri lui aussi, à l’instar de la relation entre les deux protagonistes. A voir évoluer cet acteur de film en film, on se dit qu’il représente un futur prometteur pour le cinéma indonésien. Il y également Adinia Wirasti qui interprète Ambar, charmante bouille d’actrice qui représente de son côté la nouvelle génération des comédiennes indonésiennes. 3 days to forever est avant tout un film sans prétentions sur les doutes d’une génération mais qu’on prendra plaisir à regarder comme le miroir sans traces d’une société dans laquelle on refuserait d’entrer mais qui s’imposerait d’elle-même. Un voyage au bout duquel on ne voudrait pas arriver mais dont la destination se profilerait inexorablement. Elle s’appellerait « Pour toujours ».

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

The most distant course

2007-10-20T23:50:00.001+02:00

De LIN Jing-Jie avec KWAI Lun-Mei, MO Zi-Yi, JIA Xiao-Guo

Qixia Films, Taïwan

La plus longue distance d’un être à un autre, c’est rarement la ligne droite. LIN Jing-Jie déjà auteur de My own personal gun et Street survivor se charge de nous le rappeler dans un film juste et émouvant sur la difficulté d’être ensemble et l’incapacité à se retrouver. Un preneur de son Xiao Tang récemment licencié d’un tournage se remet difficilement d’une rupture sentimentale. Il enregistre les sons de la nature et dans cette œuvre sonore qu’il intitule « Sound of Formosa », il transmet tous ses sentiments pour la fille qu’il a aimée. Il adresse ses bandes à cette ancienne petite amie sans se douter qu’elle a changé d’adresse. La nouvelle locataire, Ruoyun, commence à prendre goût à ses lettres sonores sans savoir qui en est l’auteur mais elle sait que ces cassettes l’aident à surmonter, elle aussi, une douloureuse séparation. Enfin, Ah Cai, un psychiatre extrêmement au fait des problèmes de couple n’a pas pu sauver le sien et erre sans but après que sa femme l’a quitté. Il rencontre Xiao Tang par hasard et les deux hommes vont se confier et se reposer l’un sur l’autre pendant vingt-quatre heures.

Ces individus qui se cherchent et se croisent sur les routes de Taïwan, ce sont des âmes esseulées qui ont perdu leur alter ego, la personne qui leur donnait une raison de vivre. Ce psychodrame qui prend parfois des allures de comédie, qui suit de manière cyclothymique les sentiments de ses personnages tire son essence d’une expérience commune. Celle de millions d’êtres qui font le même voyage, qui parcourent la même distance, souvent interminable, pour aller à la rencontre de l’autre. Des témoins parfois passifs d’un itinéraire obscur où le ressac répond en écho au vide de leur existence. Comme si finalement en amour, le plus important était le parcours, la quête, pas la destination.

Ce film traite aussi de la société taïwanaise dans son ensemble, de cette société qui s’individualise de plus en plus, laissant chacun désemparé, à la merci de soi-même. Dans une scène du film où Ah Cai est pris de folie ordinaire et se met à faire la route avec palmes et tuba, le spectacle des voitures qui le doublent ou le croisent sans réaction est éloquent. Dans une société où règle une liberté extrême, où les gens ont appris à ne pas se mêler des affaires de leur voisin, l’intérêt pour son prochain, pour ses maux et ses problèmes, a disparu. Et un refuge idéal reste la nature paisible et équilibrante. En soignant la bande son, le réalisateur rend hommage à la beauté de cette île qui a su rester forte et sauvage lorsque ses habitants sont devenus dociles et fragiles.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

Assembly

2007-10-20T23:30:00.000+02:00

De Feng Xiaogang, avec Zhang Hanyu, Deng Chao, Liao Fan, Wang Baoqiang, Hu Jun

Huayi Brothers Pictures, Chine

Assembly est un must, n’ayons par peur des mots. C’est le premier film chinois qui dépeint la guerre de manière si réaliste, à la manière d’un blockbuster hollywoodien comme Saving Private Ryan ou le plus récent et magnifique Lettres d’Iwo Jima de Clint Eastwood. Assembly situe son action en 1948, lors de la guerre civile entre l’armée de libération du camp communiste et l’armée nationaliste (KMT). Dans le Nord-est de la Chine, les combats font rage. C’est là qu’un capitaine de compagnie d’artillerie, Guzidi, va résister pendant des heures à l’avancée de l’armée nationaliste avec pour mission de ne pas reculer tant qu’il n’aura pas entendu sonner la trompette du rassemblement, et donc de la retraite. Parti d’un effectif de 170 hommes, Guzidi se retrouve à la tête d’un bataillon de 46 hommes qui vont tous tomber les uns après les autres jusqu’à ce qu’une poignée d’entre eux croient avoir entendu sonner l’ordre de la retraite. Le capitaine devenu sourd après une explosion n’a pas pu l’entendre. Doit-il faire confiance à ses hommes et battre en retraite ou tenir bon jusqu’au bout ?

Assembly respecte tous les codes du genre : mise en scène chaotique avec mouvements de caméra à l’épaule, effets spéciaux impressionnants développés par les spécialistes coréens de Taegukgi, bande son incroyable qui renforce l’émotion et rend la douleur plus palpable. C’est un film efficace et sans concessions. Mais au-delà de ça, ce qui rend le film unique, c’est que c’est le premier film grand public qui revient ouvertement sur la guerre qui a déchiré la Chine à la fin des années 40. Rappelons-le, entre 1937 et 1945, le Japon a envahi la Corée et la Chine, cette dernière est donc en guerre permanente depuis une dizaine d’années lorsque les faits qui sont relatés ont lieu. Epuisés, à bout, moralement et physiquement, les deux camps en guerre depuis plusieurs mois n’ont qu’une envie : en finir. Il ne faut pas occulter cette face des événements pour comprendre le paroxysme d’Assembly. Certains reprocheront au film d’en faire trop, de jouer sur la corde sensible, voire patriotique, mais ce qu’il faut y voir avant tout, c’est le dévouement d’hommes qui n’avaient, comme souvent, rien demandé et qui donneront leur vie pour que cette guerre prenne fin. Plus pour qu’elle se termine que pour leur pays d’ailleurs. Si la propagande communiste est présente, elle n’est pas la motivation essentielle du film. Ici, on raconte simplement comment des hommes qui sont morts en héros sur les lignes de front ont été bafoués en étant par la suite reportés comme « manquant au combat » par les autorités.

En effet, par un concours de circonstances malheureux, les hommes de Guzidi ne sont pas retrouvés et nulle à part lui ne peut étayer sa version des faits. Il va devoir partir à la reconquête de leur honneur perdu, en des temps où il serait si facile de se compromettre. La deuxième partie du film revient donc sur les années qui ont suivi cette terrible bataille. Comment le capitaine, seul survivant, doit se battre contre son propre camp pour simplement faire éclater la vérité. Ce qui rend le film extrêmement émouvant, c’est ce sentiment d’injustice qu’il faut réparer et la dévotion d’un homme qui fait honneur à celle de ses hommes. Chacun retiendra ce qu’il veut de cette histoire, mais la force du film, l’émotion intense ressentie lors de sa découverte surpassent tout ce qui peut être dit par ailleurs. Ce sera un succès commercial, sans conteste car ce film est destiné à l’être, il s’adresse à un très large public et c’est ce qui fait sa force. Faire comprendre à travers une histoire universelle, celle du sacrifice à la guerre, ce que sont des notions comme l’honneur, la justice et l’abnégation, c’est toute la réussite d’Assembly et le plus bel héritage que les Chinois pouvaient transmettre à la postérité.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007

King Naresuan 1 et 2

2007-10-20T12:24:00.000+02:00

De Chatrilacherm YUKOL avec Wanchana Sawasdee, Nopachai Jahayama, Inthira Charoenpura, Taksaorn Pasukcharerm

Prommitr Production Co., Thailande

Chatrilacherm Yukol qui a commencé sa carrière comme caméraman et qui a le sens de l’image revient après The Yellow sky, The elephant keeper, The song of Chaophaya dresser le portrait d’une figure emblématique de l’histoire thailandaise. Au 16^e siècle, le fils du roi Maha Thammarcha du royaume d’Ayudhaya, le jeune Naresuan est enlevé comme otage royal par le roi de Hongsawadee (aujourd’hui la Birmanie). En 1571, Naresuan s’enfuit pour retourner dans son royaume et le rebâtir. Toutefois, le roi de Hongsawadee, Nandabayin garde un œil sur Naresuan à mesure qu’il se montre de plus en plus habile et menaçant. En 1590, Naresuan devient roi à la place de son père. Il déclare l’indépendance du Siam et se prépare à la guerre avec Hongsawadee, alors royaume le plus puissant.

La Thailande est un grand pays et a la volonté de le montrer en exhibant son cinéma et sa culture à travers une grande fresque épique comme celle-ci. Les réalisateurs thaïlandais faisaient déjà des films d’action et s’attaquent maintenant au film historique commercial avec plus ou moins de succès. Le mythe du prince Naresuan est fortement ancré dans les croyances populaires. Et l’enfance du prince relatée dans le premier volet est plaisante. On suit le parcours initiatique d’un jeune homme de sang royal parmi les moines d’un monastère et l’éveil à une relation qu’on sait perdurer par la suite. En fait, une fois passés les quelques maux de tête pour mémoriser qui est qui et qui fait allégeance à qui, les traditionnelles scènes d’exposition qui sont indispensable pour resituer un film dans son contexte historique, le déroulement de l’histoire est assez limpide et lent. Un épisode entier consacré à l’enfance du prince. En fallait-il autant ? Les mouvements de caméra sont parfois exagérés comme ces longs zoom avant ou arrière qui mettent l’image dans un perpétuel mouvement. De plus, pour que ce film soit véritablement le reflet de la culture thaï, encore faudrait-il que les éléments de la culture thaï y soient mieux représentés (musique, couleurs, nourriture). C’est pourtant le cas de beaucoup de décors. Mais la musique empruntée aux grandes partitions occidentales se prête bien au style épique du récit, elle introduit un décalage avec la culture Siam. Le seul moment où l’on peut entendre les sons des instruments traditionnels, c’est lors d’une démonstration de danse au roi de Hongsawadee. De plus l’éducation du prince dans ce monastère par un maître bouddhiste expert en arts martiaux (art de la guerre et des armes, décalage avec le principe de non-violence d’ailleurs) est trop proche de certaines fables occidentales pour qu’on n’y voie pas une tentative de récupération du public occidental. Nul doute que l’apprentissage de Naresuan ne s’est pas passé de la sorte mais le romancer ainsi permet de s’attirer les faveurs des fans d’un certain genre de film.

Le deuxième volet est mieux réussi. La guerre, les batailles, les sentiments des personnages, l’ensemble est cohérent, un peu poussif parfois, encore un peu naïf mais on prend autant de plaisir à regarder ce deuxième volet qu’on en aurait à découvrir un film sorti des studios d’Hollywood, voire plus en réalité. Car il y a cette fraîcheur des acteurs dans ce genre nouveau en Thaïlande, il y a ce tropisme particulier qu’on ne retrouve pas dans les productions occidentales qui pousse les personnages à agir d’une manière inédite pour nos yeux d’occidentaux. En bref, dans la deuxième partie, Naresuan à l’âge adulte prend de l’épaisseur, il devient un roi charismatique. On a aussi l’impression que le cadre est mieux maîtrisé, que le réalisateur prend le temps de mettre en scène, qu’il donne du poids à son récit et à sa caméra. Il nous reste à découvrir le troisième volet sensé sortir en décembre pour terminer cette trilogie thailandaise. Mais on sait déjà au terme de ces presque six heures de film que la Thailande est entrée dans une nouvelle ère cinématographique où l’expression des sentiments jongle avec la prestance de ses acteurs et la virtuosité de ses techniciens.

Mystere Vic, 12^e PIFF, Octobre 2007